ADAPTACIÓN DE UNA PALETA

  Búsqueda y análisis de referentes pictóricos.  Estudio de color.

LA DAMA DEL ARMIÑO

La dama del armiño (La dama con l’ermellino) Leonardo da Vinci Año 1489-1491 Óleo y temple sobre tabla de nogal Tamaño 54,8x 40,3 cm. Museo Czartoryski, Cracovia, Polonia

Un poco de Historia… De mi libro “Las Madonnas de Leonardo”

“Cecilia Gallerani era una joven que venía de Siena, del seno de una familia que no pertenecía a la nobleza y que se estableció en Milán. A pesar de su juventud disponía de buenas dotes, sobre todo para la literatura y la música, y el Duque pronto se quedó prendada de ella”.  “.-cada día de buena mañana le ordenaba los pigmentos, iba poniendo montoncitos de cada uno en las conchas que había recogido en los mares de Venecia, anotaba si alguno le faltaba para inmediatamente ir al almacén de Perugio a conseguirlo para que el maestro tuviese toda la gama de colores que necesitaba para continuar con su trabajo. Cada pigmento en su situación y en cada concha, los azules a un lado junto a los verdes, los ocres y rojos juntos con los amarillos y aparte de todos ellos el blanco. El azul cielo de Oriente lo conseguía machacando unas piedras de lapislázuli hasta conseguir un polvo fino, los rojos los conseguíamos de sangre seca de animales, rojos de geranios y de granza oscura. El maestro daba el visto bueno, observaba que todo estuviese en su sitio y abría la botella en donde guardaba el aceite de semillas de lino, dejaba caer unas gotas hasta alcanzar la densidad buscada, para mezclar utilizaba unas espátulas de acero que limpiaba una y otra vez para que no se mezclasen los colores y las introducía en una bote lleno de aguarrás que desprendía un olor fuerte, un olor que poco a poco los discípulos nos acostumbrábamos a él pues toda la casa estaba impregnada de ese olor del aguarrás mezclado con el aceite de linaza.” .-colocó el dibujo encima de la tabla, que previamente me había mandado que la preparase con una capa blanca de carbonato de cal terroso y cola de animal, para darle un aspecto blanquecino, de esa manera la tabla quedaba compacta y lisa a la espera de la pintura con una primera mano de colores grises sobre un fondo azul grisáceo. Un vestido rojo, con corpiño y mangas atadas con lazos, y una capa azul con una amplia abertura por la que sacaba el brazo. Desde la ventana que había al fondo entraba una luz que se reflejaba en su cuerpo, iluminando su cara, su hombro izquierdo y su mano derecha que sujetaba un pequeño animalillo que Cecilia llevaba casi siempre consigo y que trataba como su fuera un minino.

– Te das cuenta Salai, mira y fíjate en la luz que entra por la ventana.

– Las figuras iluminadas con luz particular concentrada demuestran mucho mayor relieve y fuerza que las que se pintan con luz universal difusa. Fue una observación a tener en cuenta, de las muchas que el maestro me hacía cada día.

– De este modo resaltaré notablemente las partes del cuerpo de Cecilia y del animal que están más próximas a la fuente de luz, oscureciéndose gradualmente las más alejadas de ella. Comenzó a darle color a algunas partes de la figura consiguiendo una gradación de intensidades, desde tonos azulados hasta tonos pardos grisáceos. El maestro estaba consiguiendo resultados que hasta ese momento no había visto, simplemente con el manejo de la luz.

Utilización del color en la paleta

.- Armonía y contraste.  La armonía la entendemos como la similitud de tonos y el contraste como la diferencia de tonos.   La armonía es una combinación de colores, cuyo objetivo sería hacer una combinación agradable, pero no siempre utilizando colores primarios y secundarios.  Leonardo consigue una armonía entre los tres colores antes mencionado, causando la sensación al ver el cuadro como que estamos dentro de esa habitación con Cecilia, consigue una atmósfera idónea.  El contraste lo podemos definir como la diferencia de intensidad entre el punto más claro y el más oscuro de una imagen.        Leonardo consigue un contraste entre el fondo oscuro y el rostro de Cecilia, un brillo en su cara y un fondo oscuro y sin luz.

.- Claroscuro. Como decía Salai, el fondo está hecho con un azul grisáceo, aunque los estudios dicen que se pintó al lado de una ventana, de ahí la luz de la cara de la Dama. Una puerta al fondo fue cubierta para mostrar un fondo oscuro liso, un velo transparente sobre la cabeza de la modelo fue repintado convirtiéndolo en un peinado extravagante y varios dedos fueron repintados. Utiliza el claroscuro, utilizando la luz para potenciar la figura de Cecilia, y consigue un contraste entre el fondo oscuro y la luminosidad de la cara de la modelo. La paleta que Leonardo utiliza es simple, casi monocroma y resuelve el cuadro prácticamente con tres colores:

Azul cielo de Oriente.  Rojo sangre.  Negro/gris.   Ocres.

El tratamiento del fondo con colores grises, y los colores del vestido, azul y bermellón, pero con tonalidades grises para integrarlo con el fondo del cuadro. Aunque como dicen los estudios hechos del cuadro, el fondo en su inicio tendría colores más claros.

FIGURA ESTENOGRAFICA

Figura Estenográfica (1942)  Jackson Pollock Óleo sobre lienzo 101,6 x 142,2 cm. MOMA Nueva York

Un poco de Historia… De mi Exposición “Berlín-Paris-New York”

…Peggy Guggenheim no sabía mucho de arte moderno, pero pronto aprendió de Duchamp, que le enseñó la diferencia entre abstracto y surrealismo. En 1943, Peggy Guggenheim estaba buscando nuevos talentos para la exposición del Salón de Primavera que sería exhibida en su nueva galería, y como parte de esta búsqueda de talentos colocó un anuncio en la revista Art Digest. El anuncio especificaba que cualquier artista norteamericano menor de treinta y cinco años podía presentar muestras de su obra. Los finalistas serían elegidos por un jurado conformado por Peggy Guggenheim, Piet Mondrian, y Marcel Duchamp entre otros. Uno de los artistas a ser considerados fue Jackson Pollock pero Peggy parecía no poder apreciar el genio de Pollock. El secretario y consejero de Peggy, Howard Putzel le insistió a que considerara a Pollock para el próximo Salón de Primavera. Pollock llevó una selección de su obra a la The Art of This Century Gallery para consideración del jurado.

Mientras Mondrian examinaba la obra “Figura Estenográfica”, Peggy comentó:

…»Bastante fea ¿no es así?, eso no es una pintura ¿o sí?».

Después de que Mondrian estuviera frente a la pintura por varios minutos, ella continuó su crítica

…»Hay una absoluta falta de disciplina en esto,

.-Mondrian respondió:

.-«Peggy, no lo sé. Tengo el sentimiento de que esta puede ser la pintura más emocionante que he visto desde hace mucho, mucho tiempo, aquí o en Europa.»

Peggy protestó diciendo que no era la clase de cosas que esperaba que fueran del gusto de Mondrian, él respondió que sólo porque fuera diferente de su propia obra no significaba que debía de disgustarle, agregando.

.-«yo no se lo suficiente acerca de este autor como para calificarlo de ‘grande’, pero sé que me obligó a detenerme y observar. .-Donde tú ves ‘falta de disciplina’ yo tengo la impresión de percibir una energía tremenda.»

Utilización del color en la paleta.

.- Analogía cromática. Los colores análogos son aquellos entre los que se considera que existe una armonía, es decir, aquellos colores que se encuentran cerca unos de otros en el círculo cromático y que son muy parecidos aunque ligeramente diferentes. Los colores análogos son grupos de tres colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores. Pollock utiliza el amarillo-naranja/amarillo-naranja. El cian-cian/violeta-violeta, con una mezcla uniforme de ellos, con lo que con la utilización de esos colores análogos, consigue un diseño realmente armonioso y equilibrado, y una sensación agradable de ver para el espectador. Al mismo tiempo utiliza los tres colores primarios rojo, amarillo y azul (no como los utiliza Mondrian como veremos en el siguiente ejemplo) pero con una tonalidad más clara debido a la mezcla con blanco.

.- Temperatura cromática. Los colores cálidos serían aquellos que se sitúan dentro del espectro rojo, naranja y amarillo, mientras que los fríos serían los colores del espectro violeta, azul y verde. Los términos “cálidos” y “fríos” apenas se refieren a los matices puros, parecería que el rojo es un color cálido y el azul es frío. Los dos términos parecen adquirir su significado cuando se refieren a la desviación de un color dado en la dirección de otro color. Por asociación con la luz solar y el fuego, llamamos colores cálidos a aquellos que van del rojo al amarillo, y por asociación con el agua, el hielo y la humedad, llamamos colores fríos a las gradaciones del azul al verde. Pero las diferencias entre los colores cálidos y los fríos pueden ser muy sutiles. Un amarillo o un rojo azulado tienden a ser fríos, como también un rojo o un azul amarillento. Por el contrario un amarillo o azul rojizo parecen cálidos. El que determina el efecto no es el color principal puro, sino el color cuyo matiz se desvía ligeramente hacia la calidez. Un azul rojizo parece cálido, mientras que un rojo azulado, parece frío. Además las mezclas de dos colores equilibrados o en iguales proporciones, no manifiestan claramente su temperatura. En la obra existe un equilibrio entre colores fríos y calientes.

COMPOSICIÓN EN ROJO AMARILLO Y AZUL

Composición en rojo, amarillo,y azul Piet Mondrian (1921). Gemeentemuseum La Haya.

Un poco de Historia…

“Composición con rojo, azul y amarillo» es una famosa pintura abstracta creada por Piet Mondrian en 1930. El tema de esta pintura es puramente abstracto, ya que solo presenta formas geométricas, líneas y colores primarios. La pintura está dividida en una cuadrícula de formas rectangulares, con líneas negras que definen sus bordes. La pintura es una celebración de la simplicidad y el orden, y se ha convertido en un símbolo icónico del arte moderno. Aplica en este cuadro, un programa estético basado únicamente en líneas rectas horizontales y verticales y colores primarios, que influyen en el gusto y la sensibilidad del Norte de Europa durante las décadas posteriores. La total exclusión de cualquier forma curva se relaciona también con la persistencia de Mondrian por encontrar la armonía del universo mediante sus elementos geométricos fundamentales. Lo horizontal y lo vertical representan los polos opuestos de la existencia espiritual y lo material, lo masculino y lo femenino lo positivo y lo negativo. Algo tan sencillo en la forma resulta que era sumamente complejo en el concepto. Su obra se caracteriza por el compromiso con los principios de la abstracción, “simplicidad y armonía”.

Utilización del color en la paleta.

.-.Temperatura cromática. Los colores cálidos son aquellos que se sitúan dentro del espectro rojo, naranja y amarillo, mientras que los fríos serían los colores del espectro violeta, azul y verde.A Mondrian no le interesa esta clasificación y simplifica como decíamos  los colores a utilizar a los primarios, rojo azul y amarillo.

.-. Armonía y contraste. Los colores y las formas se colocan cuidadosamente para crear una sensación de armonía y equilibrio, con los bloques rojos, azules y amarillos colocados en posiciones estratégicas para crear una tensión dinámica entre ellos. Dentro de esta cuadrícula, Mondrian ha utilizado solo tres colores primarios: rojo, azul y amarillo, que se disponen en una composición equilibrada.

.-. Simplicidad en las formas y colores. La elección de los colores y las formas son un ejercicio de simplicidad y orden con la intención de dar un vuelco a la manera de pintar del periodo de entreguerras, y ello les llevo a los integrantes del grupo De Stijl a eliminar todo indicio de elementos que representasen el paisaje tradicional y evolucionar desde el cubismo hacia una abstracción geométrica pura.

Inventario de color y construcción de nuestra paleta

Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 –Nueva York, 15 de mayo de 1967) fue un pintor estadounidense, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida estadounidense contemporánea. Se le considera uno de los pintores de la escuela Ashcan. El éxito conseguido con una exposición de acuarelas en 1923 y otra de lienzos en 1924 hizo de Hopper el autor de referencia de los realistas que pintaban escenas estadounidenses. Como es por ejemplo “Habitación en Nueva York”. Su evocadora vocación artística evolucionó hacia un fuerte realismo, que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos.

He escogido la obra “Tea by the sea”, en donde se pueden apreciar unos trece colores algunos muy sutiles, con los grises, con variaciones tonales, a través del programa de edición Gimp.

Simplificado a ocho (8) colores, con los que trabajaremos en la tercera parte del ejercicio.

Una vez conseguidos el inventario proporcional de colores, con el programa GIMP, y realizado las anotaciones de los valores RGB de nuestro inventario. De síntesis aditiva a síntesis sustractiva con gouache y acrílicos.

Magenta 397. Amarillo 205. Cian 501. Blanco 100. Negro 703.